Champion Jack Dupree - Blues From The Gutter

Blues From The Gutter (1958), arcydzieło Champion’a Jack Dupree, jest wynikiem bardzo ciężkich doświadczeń życiowych. Jego rodzice zginęli w pożarze, gdy był jeszcze dzieckiem, więc został przydzielony do szkoły z internatem: placówki, do której wysłano osierocone dzieci i młodych przestępców. Jako nastolatek uczył się podstaw piano bluesa. Kiedy dorósł przez chwilę zarabiał na życie jako bokser (stąd jego alias "Champion"). W 1930 roku został profesjonalnym pianistą, występując w barrelhouses, barach prowadzonych przez czarnych, gdzie serwowano tani alkohol, była muzyka na żywo i hazard. Przez cały 1930, pod wpływem Wielkiego Kryzysu, żył jako nomad, przeprowadzał się z miasta do miasta. W swojej wędrówce przeszedł z Chicago do Indianapolis. Leroy Carr, z którym zetknął się podczas tej pielgrzymki po Stanach Zjednoczonych, był jego mentorem. Leroy Carr nauczył go korzeni bluesa i afroamerykańskiej muzyki ludowej. Na początku II wojny światowej, Champion Jack Dupree został zmobilizowany przez Us Navy. W 1940 roku, po powrocie do życia cywilnego, wydał "Warehouse Man Blues", swój pierwszy singiel w chicagowskiej wytwórni Okeh. Był to pierwszy na bardzo długiej liście singli (prawie pół setki) wydanych w ciągu najbliższych dwóch dekad w kilku wytwórniach płytowych. W tych singlach odkryto bluesmana o dużym charakterze, który pił ze źródeł wczesnego primigenary bluesa przełomu wieków i ponownie zaadaptował go w bardzo osobistym stylu. Wśród singli był na przykład słynny "Junker Blues", reinterpretacja (z przepisanych tekstów) niewydanej piosenki Willie Hall z 1920 roku.  Jednak w latach, w których był zorientowany na format singla, Champion Jack Dupree ponownie interpretował tradycje muzyczne przeszłości. Ciekawi ludzie, którzy słyszą piosenki, takie jak "Shim Sham Shimmy" czy "Shake Baby Shake" dziś znajdą genom rock'n'rolla w pełni rozwinięty.

Po dwóch dekadach jako osoba specjalizująca się w jednym formacie, Champion Jack Dupree wydał swój pierwszy album, Blues From The Gutter, w Atlantic Records. LP to zbiór piosenek o życiu w marginalnych środowiskach, naznaczonych ubóstwem i segregacją, które artysta znał zbyt dobrze. Piosenki te odtwarzają sytuacje i doświadczenia typowe dla muzyka bluesowego barrelhouse jak on. Blues From The Gutter zawiera piosenki o nędzy, uzależnieniach ("Can't Kick the Habit", "Junker's Blues"), chorobie ("Bad Blood") i śmierci (klasyczny "Goin' Down Slow" Louisa Jimmy'ego Odena). Nie ma jednak miejsca na żal lub przesadny dramatyzm. Wręcz przeciwnie, Champion Jack Dupree stara się uszlachetnić życie i, jak już słychać w pierwszej piosence "Strollin'" poczucie humoru jest dozwolone. Dla mistrza Jacka Dupree każde doświadczenie, jakkolwiek złe, służy jako nauka, a obowiązkiem bluesmana jest zmierzyć się z trudnością w stylu. A jeśli chodzi o styl, Champion Jack Dupree jest wyjątkowy i osobisty. Jest to w pełni widoczne w "Nasty Boogie", kolejnym z jego najbardziej znanych utworów. W nim kondensuje się idiosynkrazja bardzo osobistego artysty, przyzwyczajonego do reinterpretacji tematów i gatunków w niezwykłych tonacjach, dostosowanych do jego tonu głosu, aby stworzyć solidny zestaw i niepowtarzalny styl. Nie będąc technicznie najbardziej cnotliwym pianistą swojego pokolenia, wypowiadał się z zręcznym wykorzystaniem ciszy i fałszywych nut. I oczywiście, Blues From The Gutter rozpoznał się również jako dłużnik starego folku z wersjami tradycyjnych piosenek "Frankie & Johnny" i "Stack-O-Lee", uznając się za katalizator afroamerykańskiej muzyki ludowej w kierunku nowoczesnego bluesa.

Zabłocie, 24.10.20

Brian Lopez - El Rojo & El Blanco

 

W 2010 roku Brian Lopez przeszedł z Mostly Bears - zespołu underground - do kariery solowej. W tym roku napisał utwory myśląc o mentalności solisty i rozpoczął przygotowania do swojego studyjnego debiutu Ultra (2011) i wydał dwie EPki, El Rojo i El Blanco, dla wytwórni Funzalo Records. Te EP-ki zawierają nagrania na żywo i tworzą niemal symetryczny dyptyk. Każdy z nich zawiera pięć piosenek zaczerpniętych z dwóch koncertów, które Brian Lopez dał w Tucson, przy wsparciu towarzyszącego kwintetu utworzonego przez pianistę Sergio Mendoza (z Orkesta Mendoza), Mona Chambers (wiolonczela), Jacka Serbisa (perkusja), Seana Rogersa (bas) i Vicky Brown (skrzypce). Piosenki, które pojawiły się zarówno w El Rojo, jak i El Blanco, będą częścią Ultra. Te dwie EPki pomogły Brianowi Lopezowi poczuć puls jego piosenek i zakończyć drobiazgowy i szczegółowy proces przygotowań do Ultra. Dziś, 10 lat po publikacji, stanowią okazję do wysłuchania, jak Brian Lopez stawia pierwsze kroki jako solista. I nawiasem mówiąc, należy docenić, że wtedy pokazał się jako wszechstronny muzyk o scenicznej wypłacalności.

Pięć piosenek El Rojo to wyciąg z koncertu w październiku 2009. Tutaj Brian Lopez pięknie śpiewa jedną ze swoich pierwszych wielkich solowych kreacji, wspaniałe "I Pray for Rain”. A w pomysłowym "El Pajaro y el Ciervo” tworzy fajny duet z lokalnym bohaterem Salvadorem Duranem. W El Rojo zawiera również reinterpretację piosenki Mostly Bears "Maslow’s Hierarchy”, ze zmianami w akompaniamencie i tonie, tak jak to zostało później naprawione w Ultra.

Z drugiej strony El Blanco to fragment 5 piosenek z koncertu w Tucson w marcu 2010 roku, w tej samej obsadzie, co El Rojo. El Blanco zaczyna się od "Pin Prick”, jedynej piosenki z całego dyptyku, która nie została zawarta w albumie Ultra. W klimatycznym "Under Watchful Eyes” gra świetny duet ze skrzypaczką Vicki Brown, a zespół brzmi naprawdę dobrze. Piosenka Mostly Bears "Leda Atomica” pojawia się tutaj przekształcona - lub ewoluowała - w piosenkę marzeń, której echa oscylują między kosmosem a mitologią. Ostatni temat EP-ki, wersja "El Vagabundo”, błyszczy tu blaskiem, którego moim zdaniem brakuje w wersji studyjnej zawartej w Ultra. Nie wolno nam zapominać, że mamy do czynienia z artystą, który zdobył dużą część swojej reputacji na scenie.

Zabłocie, 17.10.20

Sharon Van Etten - Are We There

    Czwarty album Sharon Van Etten, Are We There (2014), to autobiograficzna kronika degradacji i późniejszego załamania się długiego romansu. Jest to zatem zbiór jedenastu utworów, których centralnym tematem jest samotność i miłość, to znaczy potrzeba wzajemnego oddania się, zrozumienia i wspólnej intymności. To intensywny album, napisany w burzliwym momencie dla Sharon Van Etten. W rzeczywistości, Are We There zawiera niektóre z najbardziej poruszających momentów w całej jej karierze, zwłaszcza sekwencja składająca się z "Tarifa”, "I Love You But I’m Lost” i "You Know Me Well”. W tych piosenkach Sharon Van Etten ukazuje swoje słabości i wydobywa na powierzchnię cały wir emocji, który leży u podstaw albumu. Z pewnością, chociaż miłość i jej efekty są podstawowym tematem albumu, udręki wpisane w jej tło (a nawet na samą okładkę) wykraczają poza sentymentalne pytanie. Nieudany związek miłosny wyzwolił egzystencjalny kryzys w Sharon Van Etten, typowy dla kogoś, kto nie wie, czy wybrała właściwą ścieżkę życia, a tym bardziej na jakim etapie tej ścieżki jest. W tym sensie Are We There jest również ćwiczeniem z introspekcji, nie wspominając o wyładowaniu, ponieważ aby wiedzieć, czego szukasz w życiu, musisz zacząć od znalezienia siebie. Chociaż bolesne, okresy kryzysu są okazją do podejmowania decyzji, o ile tylko umie się je rozpoznać i zaakceptować jako nieunikniony punkt zwrotny w życiu. I trzeba powiedzieć, że z tego, co można usłyszeć w Are We There (oraz w kolejnym Remind Me Tomorrow z 2019 r.), Sharon Van Etten miała dość hartu ducha, by utrzymać wodze swojego życia ("Afraid of Nothing”). Ze względu na produkcję i kierunek muzyczny, który się w niej rozpoczął, w Are We There pojawia się solistka, która ma ochotę patrzeć w przyszłość i zrzucić balast. "Every Time the Sun Comes Up”, pomimo przyziemnego motywu, można uznać za pierwszą próbę Sharon Van Etten utworzenia mainstreamowego utworu.

Zabłocie 13.10.20

Nikki Sudden & The Jacobites – Dead Men Tell No Tales

    Czwarty solowy album Nikki Sudden - i drugi z okresu post-Jacobites - Dead Men Tell No Tales (1987), to zbiór akustycznych ballad w mollowej tonacji, z małym akompaniamentem, kontrastującym (i uzupełniającym się) z majestatycznym poprzednikiem Texas (1986). Tutaj Nikki Sudden śpiewa jego na wpół autobiograficzne piosenki o złamanych sercach i niekonsekwentnym życiu muzyka rockowego z większą intymnością i introspekcją. Jest to również najbardziej minimalistyczny album ze wszystkich jego dyskografii. Każda piosenka jest oparta na riff dwóch lub trzech akordach co najwyżej, które pozostają niezmienione. W połowie lat 80., Nikki Sudden zaakceptował już status przeklętego barda, więc postanowił przede wszytskim żyć ponad czystą techniką instrumentalną. Mówi się, że w tym czasie odmawiał prób. Wolał żyć jak romantyk z innej epoki, i pozwolić, aby to życie znalazło odzwierciedlenie w jego piosenkach. Wiązało się to z wyrażeniem zgody na pijaństwo w celach twórczych (było to bardzo nadmierne pod względem alkoholu i narkotyków) oraz przyzwyczajeniem się do niebezpieczeństwa gry z ogniem ("When I Cross the Line"). Dead Men Tell No Tales to album nagrany z naturalną spontanicznością. Są to piosenki napisane w drodze i raczej zaprojektowane do wykonywania każdej nocy w drodze, przed nikim i kimkolwiekiem. I, pomimo minimalizmu, w tych piosenkach jest wystarczająco dużo otwartych przestrzeni, aby brzmieć inaczej podczas każdego słuchania czy występu. Najjaśniejszym przykładem jest to, że "Kiss at Dawn" to sugestywna końcowa ballada, która pojawi się ponownie na późniejszych albumach z innym dźwiękiem lub nawet innym tytułem, stała się w ten sposób rodzajem leitmotiv dla większości kariery Nikki Suddena. W tych otwartych przestrzeniach, gościnni gitarzyści Andrew Bean i Rowland S. Howard wprowadzają kilka slides i fal feedback, które podkreślają emocjonalną intensywność pracy.

Zabłocie, 06.10.20

Brian Lopez - Ultra

   Brian Lopez to kolejny z wielkich talentów Tucson XXI wieku. Swoją karierę muzyczną rozpoczął prawie 15 lat temu w zespole underground Mostly Bears, z którym nagrał dwa albumy. Po rozwiązaniu grupy, pod koniec ostatniej dekady, rozpoczął karierę solową, którą na przemian z udziałem w Giant Sand (zespół, którego był członkiem sporadycznie) i Calexico. Był również współpracownikiem KT Tunstall. Przez kilka lat liderował wspólnie z Gabrielem Sullivanem głośny psychodeliczny zespół cumbia o nazwie XIXA, z którym wydał album oraz kilka singli i EP. Z tym niespokojnym i wieloaspektowym dorobkiem, Brian Lopez zbudował lojalną publiczność w międzynarodowym niezależnym obwodzie, który pozostaje uważny na jego nowe projekty.
     Ich debiutancki album, Ultra (2011), to zróżnicowana kolekcja piosenek, w której jest trochę wszystkiego. Z bezpośredniego i nostalgicznego "Montjuic", w którym Lopez czule wspomina czasy, w którym przed laty żył w Barcelonie; do enigmatycznego i atmosferycznego "Under Watchful Eyes", gdzie przeżywa chwile wielkiej czułości i delikatności ("Molly", "Red Blooded Rose"). Do swojej różnorodności profili dodaje się wielką wszechstronność stylistyczną: w Ultra łączy i scala różne tradycje muzyczne w piosenkach o wielkiej intymności. To, co wyróżnia się przede wszystkim w zespole, to bardzo osobisty, aksamitny głos Briana Lopeza i jego zamiłowanie do melodii. Wyróżnia się również produkcja. Jest to szeroko oprzyrządowana płyta, w której motywy są zmieniane z wieloma teksturami dźwiękowymi. Słuchanie Ultra jest jak oglądanie zachodu słońca w pustynnym krajobrazie: każdy motyw zaczyna się od minimalistycznego powietrza, ale potem zaczynają pojawiać się zmiany kształtu, z różnymi tonami i błyskami. Czasami ten projekt produkcji gra przeciwko artyście, jego największy atut, jego głos, traci część jego blasku w tej miksturze. Ta wada (jeśli pojawi się) jest niczym więcej niż odciskiem wątpliwości i niepewności debiutującego solisty. Bardziej niż nadprodukowanym, Ultra jest dyskiem nadmiernie przemyślanym. Podoba mi się, bo w nim można docenić wewnętrzną walkę twórcy nadającego kształtu jego utworom. Nie ma wątpliwości, że ten album jest wynikiem długiego i żmudnego procesu.
    Ultra uzupełnia się dwoma piosenkami Mostly Bears, znakomitymi "Maslow's Hierarchy" i "Atomic Leda", które Brian Lopez reinterpretuje i poddaje takiej samej jakości dźwięku jak inne utwory; i wersją klasycznego "El Vagabundo", z tematem spopularyzowanym przez Los Panchos ponad sześćdziesiąt lat temu. Jest to "Americana" w szerokim i dosłownym znaczeniu, skłonny do przełamania barier stylistycznych i językowych.

Zabłocie 03.10.20

Nikki Sudden & The Jacobites– Texas

    W 1986 roku Nikki Sudden był w pełni świadomy swojego statusu w branży muzycznej. The Jacobites, zespół który założył z Dave Kusworth kilka lat wcześniej, właśnie rozwiązał się w obliczu ogólnej obojętności, pomimo opublikowania jednego z najlepszych albumów rock'n'rolla dekady, wspaniałego Robespierre's Velvet Basement (1985). W 1980 mody i trendy szły w kierunku, w którym Nikki Sudden nie chciał iść. I w każdym razie brytyjska prasa muzyczna, która w tym czasie kierowała gustami połowy świata, nigdy nie nadałaby mu najmniejszego rozgłosu. Jego szanse na osiągnięcie sukcesu komercyjnego bliżej głównego nurtu były minimalne. Jednak zdobył pewien prestiż w międzynarodowym underground, przede wszystkim dzięki swojej przeszłości z bardzo wpływowymi Swell Maps i z The Jacobites. Ten prestiż był skromnym kapitałem, ale wystarczającym do przetrwania jako muzyk wiodący życie typowe dla staroświeckiego trubadura. W ten sposób Nikki Sudden zarabiał na życie jako wędrowny muzyk, zawsze tam i z powrotem, przemierzając świat ze swoją gitarą, gotowy grać dla małych odbiorców, jego lojalnych fanów. Bycie na uboczu imperatywów przemysłu płytowego miało dla niego wielką zaletę: pozwoliło mu żyć i tworzyć muzykę według własnych kryteriów estetycznych. Był w stanie prowadzić życie jako gwiazda rocka Kichotów - z jego rozbrajającym dziewiętnastowiecznym wyglądem dandysa oraz cieszyć się jego mocą wynikającą z wolności. Jego status jako kultowego muzyka pozwolił mu również rozpocząć taki projekt jak Texas (1986), jego trzeci solowy album i pierwszy po rozwiązaniu The Jacobites.  

    W Texas, Nikki Sudden powrócił do źródła, do glam-rock’a z początku lat 70., muzyki w której zakochał się jako nastolatek i postanowił poświęcić swoje życie rock'n'rollowi. Nagrany i współprodukowany przez Sudden z bratem Epic Soundtracks (który służy również jako perkusista i multi-instrumentalista), i wspólnie z legendarnym Rowland S. Howard, Texas jest album pomyślanym jako glam-rock. Utwory brzmią jak wielki chór pop od początku do końca, w którym wiele nakładających się utworów, brzęczenie gitary akustycznej i elektrycznej, fale sprzężenia zwrotnego, organy i cymbały tworzą ścianę majestatycznego dźwięku z niechlujną i dekadencką elegancją. Nikki Sudden owija w tę wall of sound jego piosenki o złamanych sercach, pocałunkach w deszczu i pożegnaniach kochanków o świcie. Texas jest dziełem trubadura wędrującego, który śpiewa o swoim życiu (cenne "Jangle Town"), ze swoimi przyjemnościami, rezygnacjami i niepewnościami, a przez pewien czas sprawia, że jesteśmy jego uczestnikami. Ze względu na ich uroczystość i romantyzm, tak obojętny w naszych czasach, przywołanie tego życia, tej początkowej podróży bez ustalonego kursu, jest bardzo emocjonalne, ale także wywołuje pewną nostalgię. Słuchając Texas, po raz pierwszy od kilku lat, czuję nostalgię za tą utraconą elegancją i za tymi, którzy pozostali po drodze.

 

Zabłocie, 29.09.20

 

 

Howlin' Wolf - Howlin' Wolf (aka The Rockin' Chair Album)

 

    Drugi album Howlin’ Wolfa, wydany w 1962 roku i znany również jako The Rockin' Chair Album, jest jednym z najbardziej wpływowych dzieł amerykańskiej muzyki popularnej ubiegłego wieku. Jest to kompilacja singla Howlin’ Wolfa wydana przez Chess w latach 1960-1962. Dlatego album pokazuje pełnego wigoru Howlin 'Wolfa jako jednego z dwóch głównych filarów sceny bluesowej Chicago, w otwartej konkurencji z Muddy Waters. W rzeczywistości, w tym okresie jego sława zaczęła rozprzestrzeniać się na arenie międzynarodowej i zbliżała się do lądowania w Europie. Chicago być zbyt małe dla Wilka, podobnie jak kilka lat wcześniej stał się małym West Memphis.

    W utworach, które składają się na jego drugi album, Howlin' Wolf polegał na kompozytorze (i wieloaspektowym) Willie Dixononie, wykwalifikowanym autorze tekstów, specjaliście od pisania utworów wpadających w ucho. Dixon skomponował większość treści Howlin’ Wolf, oryginalnych premierowych piosenek, z których wiele stało się później blues standardami. Piosenki istotne w historii amerykańskiej muzyki popularnej, takie jak "Back Door Man", świetna piosenka o cudzołóstwie. Albo "Spoonful", kolejne osiągnięcie tandemu Dixon/Howlin' Wolf, który przypomina, że to dawka, a nie substancja stanowi truciznę. Wilk był podobno podejrzliwy wobec Williego Dixona, ponieważ działał również jako kompozytor dla swojego rywala Muddy'ego Watersa. Nie ma jednak wątpliwości, że utwory Dixona z tego albumu są idealne dla wokalu Howlin’ Wolfa i jego bardzo osobistego, brudnego i cielesnego stylu.

    Z drugiej strony, na tym albumie związek Howlin’ Wolfa z jego gitarzystą Hubertem Sumlinem sięga pełni i rozwija się z intensywnością, która wzbudziła podziw przyszłych pokoleń. Do końca lat 50., Hubert Sumlin był w większości drugim gitarzystą zespołu, kompetentnym, ale nieśmiałym kolegą z zespołu w cieniu Williego Johnsona i Jody'ego Williamsa. Jednak po odejściu Williamsa, Sumlin został awansowany na pierwszego gitarzystę, a po uzyskaniu tej nowej rangi stał się całkowicie wyzwolony. Tak więc, na albumie Howlin' Wolf słuchamy nowego Huberta Sumlina, z tym przełomowym stylem, który uczynił go sławnym: impulsywnym, pełnym harmonii, slides w górę i w dół  i perkusyjnych akcentów, aby zwiększyć dynamikę. Jego gra na gitarze pasuje Howlin’ Wolfowi jak ulał, i to był akompaniament, którego potrzebował aby podkreślić swoją potęgę wokalną i zakończyć jego elektryczne brzmienie. Seksowny, dziki dźwięk, który, nawiasem mówiąc, miał ogromny wpływ na praktycznie całą British Invasion. Tandem Howlin' Wolf / Hubert Sumlin zaczyna przynosić owoce na tym albumie, jak chociaż imponujący "Down in the Bottom", czy zmysłowy "Shake for Me", w którym Sumlin sprawia, że energiczne solo współgra z prowokacyjnym tematem tekstu. Albo kultowy "The Red Rooster", country blues o cielesnym pragnieniu, w którym gitara akustyczna Wolfa i gitara elektryczna Sumlina tworzą niepowstrzymaną jedność.
    Jest też "Goin' Down Slow", standard legendarnego Jamesa Odena, w którym Howlin' Wolf śpiewa razem z Willie Dixonem w sposób bolesny. Temat piosenki - syn, który w obliczu perspektywy śmierci, prosi matkę o przebaczenie - był bardzo bliski dla Wilka. Jego matka, fanatyczka religijna, wyrzuciła go z domu i odrzuciła, gdy był jeszcze dzieckiem. Jako dorosły i odnoszący sukcesy artysta, Wilk próbował się z nią zjednoczyć, ale nie chciała mu wybaczyć, że oddał swoje życie muzyce diabła. Pomimo osobistych i zawodowych osiągnięć, Howlin' Wolf nigdy nie poradził sobie z matczynym porzuceniem. Mawiał, że blues składa się z wyrazu braku. I ze wszystkich ran odniesionych w jego młodości pełnej tortur, brak matczynej miłości była jedyną, która nigdy się nie zabliźniła.

Zabłocie, 26.09.20

The Auteurs – After Murder Park

    Luke Haines’owi nie można zarzucić, że jest konformistą. Od samego początku, jego zespół The Auteurs specjalizował się w walce z uprzedzeniami i rzucaniu wyzwania publiczności swoim nihilistycznym podejściem. Ikonoklastowie z powołania, Agitatorzy z przekonania, Auteurs stanowili nieposkromioną grupę opryskliwą wobec brytyjskiej prasy specjalistycznej; jak i wobec pokolenia brit-pop, z którym musieli być rówieśnikami z kaprysu losu. Nie zważając na modę i komercyjne nakazy, The Auteurs podążali osobistą trajektorią zgodnie ze stricte artystycznymi ambicjami. W ten sposób stworzyli dziwną i stymulującą dyskografię, eksplorując ekspresyjne granice formatu tak pozornie dziecinnego jak popowa piosenka. Po dwóch więcej niż godnych uwagi albumach ostatecznie przełamali schemat trzecim, After Murder Park (1996), bardzo ambitnym i mrocznym albumem. W nim jego główny kompozytor, Luke Haines (głos i gitara), bawi się ideą nieświadomości i wydaje się budzić niektóre chochliki, które mogą powstać, gdy ktoś sztucznie zmienia stan ich świadomości. After Murder Park to praca z pokręconą wyobraźnią, w której najgorsze zbiorowe lęki i fobie - morderstwa dzieci, katastrofy lotnicze, zamachy terrorystyczne - służą jako metafora osobistych konfliktów.

    Aby album brzmiał spójnie z tą symboliką, The Auteurs zatrudnia Steve Albini’ego - producenta muzycznego. W ten sposób After Murder Park jest również świadectwem ekscytującego starcia temperamentów w studio: starannej, ale heterodoksyjnej elegancji The Auteurs w obliczu inżyniera / producenta, który uczynił z surowości swój znak rozpoznawczy. Razem nagrali After Murder Park w Abbey Road Studios, w kilku ujęciach nagranych na żywo. Rezultatem jest intensywny album, który uchwycił zespół w momencie katharsis. Mieszanka jest bardzo gwałtowna. Gitary zajmują środek spektrum, a głos Luke'a Hainesa jest ukryty pod tą plątaniną nasyconych gitar. W tym kontekście słychać go śpiewającego z nowym stylem, znacznie bardziej agresywnym niż na poprzednich albumach ("New Brat in Town”). Niektóre utwory zaczynają się od zapalającego popowego nastroju,  przerwanego okazjonalnymi wyładowaniami elektrycznymi ("Light Aircraft on Fire”, "Tombstone”). A w tej grze kontrastów łagodniejsze i najdelikatniejsze muzyczne momenty są jednocześnie najciemniejsze ("Unsolved Child Murder”). Album ten można uznać za zbiór groźnych halucynacji, w których odkrywane są chwile wielkiego piękna. Z pewnością After Murder Park zawiera jedne z najlepszych piosenek z The Auteurs ("Married to a Lazy Lover”, "Everything You Say Will Destroy You”), a wiolonczela niezwykle zainspirowanego James Banbury'ego nadaje każdej piosence ekspresyjne ciepło dzikiego brzmienia jego kolegów.    

Zabłocie, 08.09.20

The Kinks –Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire)

    Siódmy album studyjny The Kinks, Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969) był nowym twórczym kamieniem milowym dla zespołu i próbką bardzo wysokiego poziomu, który Ray Davies osiągnął jako autor tekstów pod koniec lat 60. Było to jednak dla niego również źródłem frustracji i pozostało cierniem w jego karierze. Muzyka zawarta w Arthur pierwotnie miała być ścieżką dźwiękową do musicalu wyprodukowanego przez Granada TV. Projekt tego musicalu został odwołany w ostatniej chwili, kiedy scenariusz (przez samego Raya Daviesa i pisarza Juliana Mitchella) i ścieżka dźwiękowa zostały już napisane. W rezultacie The Kinks niezależnie nagrał i opublikował album Arthur. Uważany za taki, jak został pomyślany, Arthur jest zatem projektem niedokończonym: brakuje mu części wizualnej. Jednak muzyka jest tak sugestywna, że wyróżnia się niezachwianą godnością i rzeczywiście należy do najlepszych w całej dyskografii The Kinks. To z pewnością bardzo spójny, pełen wyobraźni i ambitny album. To także przezabawny album, napisany z dobrą ironią, czarnym humorem i sarkazmem. A zespół brzmi naprawdę dobrze. Krótko mówiąc, jest to kluczowy album późnych lat sześćdziesiątych.

    Arthur śledzi historię Imperium Brytyjskiego od końca XIX wieku do 1969 roku oczami staroświeckiego emeryta z klasy robotniczej, Arthura Morgana, który mieszka na przedmieściach Londynu. Po traumatycznym wydarzeniu rodzinnym - wyjeździe jego syna Dereka, synowej i wnuków do Australii, aby rozpocząć nowe życie - Artur jest oszołomiony i zaczyna zastanawiać się nad swoim losem i najnowszą historią Wielkiej Brytanii. W ten sposób album Arthur prowadzi przez swojego bohatera między nostalgią, zdumieniem i rozczarowaniem. Nostalgia za epoką wiktoriańską ("Victoria”, "Young and Innocent Days”), za dniami jego młodości, kiedy wszystko było proste, instytucje polityczne i społeczne były stabilne, a moralność prawidłowa. Zdziwienie wywołane oszałamiającymi zmianami społecznymi, które grożą zmianą sposobu rozumienia życia. Rozczarowanie w historii Wielkiej Brytanii, imperium, które nagle upadło po 1947 roku: wygrało dwie wojny światowe i utraciło pokój. Rozczarowanie nierówną i odczłowieczoną instytucją wojskową, której przekazał drugiego syna, Eddiego, który zginął na wojnie ("Some Mother’s Son”, "Yes Sir, No Sir”). Rozczarowanie przeciętnością przywódców politycznych, którzy nie są w stanie dorównać swoim narodom ("Mr. Churchill Says”). I rozczarowanie Również przed mitem szczęścia, zbiorowa iluzja zaprogramowana tak, by pasła stado w społeczeństwie konsumpcyjnym. W tym sensie wyróżnia się "Shangri-la”, moja ulubiona piosenka z The Kinks. W nim Arthur w chwili niewyobrażalnej introspekcji spada z konia jak św. Paweł i akceptuje farsę współczesnego dobrobytu; powierzchowny i pusty komfort szczęścia wytworzonego taśmowo.

Zabłocie, 04.09.20

Otis Spann - Walking The Blues

    Pomimo tego, że był głównie pianistą towarzyszącym, w latach pięćdziesiątych Otis Spann stał się jedną z wielkich postaci chicagowskiej sceny bluesowej. Był pianistą studyjnym dla wytwórni Chess Records, i brał udział w nagraniach z niektórymi jej gwiazdami m.in. z Howlin ’Wolfem, Bo Diddleyem, Little Walterem, Willie Dixonem. Jednak jego sława wynikała z bycia pianistą Muddy Waters, z którym utrzymywał braterski związek. Wciąż rosnące oczekiwania wobec Otisa Spanna, doprowadziły do podpisania w 1960 roku kontraktu z wytwórnią Candid na nagranie solowego albumu. Candid sfinansował jego sesję nagraniową w nowojorskim Fine Studios, któremu towarzyszył gitarzysta Robert Jr. Lockwood. Sesja ta odbyła się w sierpniu 1960 roku i zaowocowała albumem Otis Spann Is The Blues (1961). To był znakomity debiutancki album, który zwiastował nową erę bluesa opartego na fortepianie. Ta sesja studyjna była bardzo produktywna, ponieważ Otis Spann i Robert Jr. Lockwood nagrali wystarczająco dużo materiału na drugi album. W rzeczywistości wytwórnia Candid chciała wydać ją jako kontynuację Otis Spann Is The Blues. Jednak z powodu problemów finansowych wytwórnia została zamknięta pod koniec '61 roku, a niepublikowane materiały zaginęły w jej archiwach.

Dopiero w 1972 roku, dwa lata po śmierci Otisa Spanna, inna wytwórnia płytowa, Barnaby Records, odzyskała utracony niewydany materiał i opublikowała go na pośmiertnym albumie Walking The Blues (1972). Album wywołał poruszenie wśród fanów Otisa Spanna, ponieważ jest to album niezwykły i z łatwością zaliczany do najlepszych w jego solowej karierze. Słychać w nim Otisa Spanna w szczytowej formie, wyzwolonego i dając upust swojemu specyficznemu brudnemu i dynamicznemu stylowi. Walking The Blues to wystawa Otisa Spanna w najczystszej postaci i w każdym możliwym rejestrze: od radości z "Otis Blues” i euforii z "This Is The Blues” po tragiczną "Half Ain't Been Told”. Otis Spann brzmi cały czas żywiołowo. On wyświetla estetyczne zasoby, które przeczą metrykom, i on odtwarza się w złożonych ornamentach wykonanych z niewytłumaczalną łatwością. I oczywiście robi kilka oryginalnych solówek, w których jego prawa ręka trzepocze z zawrotną prędkością. Ze swoim dynamizmem (naprzemiennych pieszczot i młotków w takcie) i radosną spontanicznością Walking The Blues utrzymuje słuchacza w napięciu przez cały czas.

    Przez cały album Otis Spann i gitarzysta Robert Jr. Lockwood nawiązują wspaniały dialog. Razem tworzą spójną całość, zdolną osiągnąć zadziwiającą amplitudę dźwięku tylko dla dwóch muzyków. Robert Jr. Lockwood ma swoje chwile na zabłyśnięcie swoim talentem, jak te wspaniałe solówki z "Evil Ways” i "It Must Have Been the Devil”. W Walking The Blues występuje także legendarny St. Louis Jimmy Oden, który śpiewa cztery piosenki ze swojego własnego repertuaru. W tych piosenkach Otis Spann okazuje szacunek swojemu koledze-weteranowi, cofa się o mały krok i pozwala skierować uwagę na trzech artystów zgodnie z potrzebami każdej chwili, ponownie zdając sobie sprawę z wszechstronności, która uczyniła go wielkim.

Zabłocie, 01.09.20